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TÉCNICAS DE ACTUACIÓN: STELLA ADLER

STELLA ADLER

Cuando pensás en la técnica de actuación de El Método, te vienen emociones conflictivas y opiniones contradictorias. Si bien El Método es indudablemente la más conocida técnica de actuación estadounidense, también está rodeada de controversia y mística. Varios renomabrados actores de HOLLYWOOD, desde Marlon Brando, Daniel Day-Lewis y Marilyn Monroe pusieron este estilo de actuación de moda. El Método a menudo se asocia con el maestro de actuación Lee Strasberg, quien era conocido por su actitud distante, sus berrinches y énfasis en los actores que utilizan una herramienta controvertida (la memoria emotiva) en su trabajo actoral. El Método de Strasberg fue una respuesta a la téncica de Konstantin Stanislavsky llamada El Sistema, que se desarrolló en el Teatro de Arte de Moscú a principios del siglo XX. Por lo tanto, los mitos en torno a las técnicas de actuación interna, donde los actores aplican una interpretación psicológica y mental profunda de los personajes y sus circunstancias, hasta el monento habían sido dominadas por hombres.

Sin embargo, irrumpió en escena una mujer que agarró El Método que se utilizaba en Estados Unidos por las astas. Esta mujer era Stella Adler, una artista y maestra con una fuerza vital tan intensa, que su legado de entrenamiento no solo sigue vivo hoy sino que cada día es más apreciado. Aunque Adler murió en 1992, lugares que imparten su técnica y llevan su nombre, continúan funcionando en Nueva York y Los Ángeles, ser aceptado en ellos se considera muy prestigioso para el mundo artístico. A continuación, voy a responder a algunas preguntas sobre una referente de la técnicas de actuación de la escena estadounidense, y el por qué, de su feroz rebeldía y visión crítica con la forma en que los actores se entrenaban.

Quién era Stella Adler y por qué es tan importante?

Stella Adler nació en una de las familias de actores más populares, de la escena teatral yiddish de Nueva York. Ella estaba en el escenario a una edad temprana y el talento que no heredó genéticamente, lo aprendió y ganó con la experiencia. Para la familia Adler, las luces y los aplausos del escenario eran tan familiares para su vida cotidiana como leer el periódico o tomar una taza de café. Stella Adler demostró algunos rasgos iniciales distintivos que finalmente iluminarían su camino hacia el ADN de la actuación estadounidense. No solo se la consideraba una actriz con gran talento, alcanzando gran prestigio, sino que también era una gran intelectual. Fue esta combinación de profesionalismo y disciplina, junto con su aguda habilidad intelectual, lo que hizo que Adler fuera una de las grandes y más respetadas maestras de actuación.

En la década de 1920, los actores que se entrenaron con Stanislavsky en el Teatro de Arte de Moscú, llegaron a Estados Unidos para recorrer producciones rusas y dirigir clases para actores estadounidenses ansiosos. El paradigma de actuación en los Estados Unidos se basaba en gestos grandes, amplios y expresiones elásticas. Entonces, cuando los actores de Stanislavsky llegaron y demostraron un estilo de actuación más frágil, intrincado y naturalista, los estadounidenses estaban tan atónitos como desesperados por aprender. Para actores intelectualmente curiosos en Nueva York como Adler, la llegada de El Sistema fue disruptivo: los estadounidenses estaban en la busqueda de lo que significaba ser actor. El Sistema introdujo una técnica innovadora, en un universo artístico que estaba en la busqueda de un lenguaje para describir el trabajo del actor. Y, lo más importante, ¡la técnica tenía sentido en la teoría y en la práctica!

Adler comenzó a estudiar con los actores rusos Maria Ouspenskaya y Richard Boleslavsky en su American Laboratory Theatre en Nueva York. La familia de Adler se burló de ella por hacer el entrenamiento, pero el modelo ruso de teatro intelectualizado alimentó el cerebro académicamente inquieto de Adler. Debido a su experiencia en el escenario, ella fue la estudiante más avanzada de la escuela y fue invitada a unirse a El Group Theatre, que fue cofundada por Lee Strasberg, el director artístico y fundador del Actors Studio.

El Grupo y su estilo de actuación inspirado en Stanislavsky, fue catalogado como revolucionario y hasta el día de hoy su trabajo se considera histórico. Sin embargo, Adler no estaba contenta y sentía frustración con la dirección y las enseñanzas de Strasberg. Este último, que nunca había conocido a Stanislavsky, insistió en la exactitud de su interpretación de El Sistema, que enfatizaba la “memoria emotiva” (o el recuerdo emocional). Adler sintió que la práctica de profundizar en los recuerdos y experiencias vividas para mostrar la veracidad en el escenario no solo era innecesaria sino también tortuosa. Y debido a que Adler era una de los actrices más experimentadas en el equipo, ella creía que el énfasis en recrear el estímulo de los recuerdos vividos en el escenario era manipular a los actores más jóvenes e ingenuos de El grupo. Entonces, ¿Qué hizo Adler? Ella atravesó el océano para interrogar a Stanislavsky y probar que Strasberg estaba equivocado.

En ese momento, Stanislavsky estaba en París, Adler se le acercó diciéndole que le encantaba el teatro hasta que él apareció y que ahora lo odiaba. Este testimonio contundente sorprendió al siempre curioso Stanislavsky y la invitó a entrenar con él. En París, Stanislavsky no solo aclaró sus enseñanzas, sino que compartió con Adler la evolución de su pensamiento. Stanislavsky siempre estaba refinando sus técnicas, cuando sus alumnos del Teatro de Arte de Moscú estaban enseñando en Estados Unidos y sus libros fueron traducidos al inglés, una versión obsoleta de El Sistema ya había echado raíces en ese país. ¿La principal fuente de obsolescencia? Memoria emotiva o recuerdo emocional: ¡Stanislavsky se había alejado por completo de este concepto! El padre del Sistema reivindicó a Adler.

A pesar de la aclaración, el punto principal de El sistema seguía siendo el mismo: los actores deberían comportarse de manera realista en circunstancias poco realistas, enfatizando las circunstancias del personaje y encontrando acciones dentro de esas circunstancias para ser veraces en el escenario. ¿Pero a dónde llegaría la motivación para estas circunstancias si no fuera por la propia vida del actor? Adler insistió en la imaginación, ¡Stanislavsky estuvo de acuerdo! Un actor es un artista, después de todo, y la mejor herramienta de un artista es la capacidad de imaginar. Entonces, Adler regresó a los Estados Unidos y comenzó a profesar sus teorías aprobadas por Stanislavsky. Por lo tanto, Adler se convirtió en la única maestra estadounidense que realmente estudió con el creador de El Sistema, y ​​recibió sus bendiciones.
Los actores estadounidenses, clamaron para estudiar con Adler a su regreso a Nueva York. Durante los años restantes, a menudo sentada en una silla tipo trono, Adler retó a los estudiantes con instrucciones desafiantes, observaciones contundentes y sermones sobre la dignidad de tomar la actuación como un estilo de vida; y a los actores les encantó.

Cuáles son los elementos clave de la técnica Adler?

Debido a que Adler creció en una familia de actores profesionales, ella creía que actuar era un estilo de vida. Esta creencia se manifestó en una extrema insistencia en la disciplina, siendo este es quizás el elemento esencial de la técnica de Adler (incluso por sobre el uso de la imaginación). Ella enseñó que la imaginación solo se puede cultivar, si un actor examina constantemente los matices de la vida. Cuando un actor percibe deliberadamente las texturas, la estética y los sonidos de la vida cotidiana, el poder de la imaginación se expande y la aumentan los recursos del actor.

Una vez que la imaginación del actor palpita con inspiración, pueden aparecer imágenes mentales detalladas y realistas de las cuales extraer inspiración verdadera en el escenario. Cuando esas imágenes están matizadas, texturizadas y cuando el actor puede expresar auténticamente los detalles de sus imágenes mentales al público; el actor ofrece una actuación convincente.

Quizás el tercer elemento más crucial de la técnica de Adler para resaltar, es el enfoque en identificar, articular y expresar las circunstancias de un personaje. Ella enseñó a sus actores a interpretar el texto para elementos clave que dictan la naturaleza del personaje, ya sea social, económico, religioso, geográfico; etc. A partir de ahí, el actor debe hacer dos cosas: Primero, debe identificar formas de transmitir estas circunstancias a través de la realización de una acción (algo que el personaje hace a otro personaje para obtener una respuesta específica deseada). En segundo lugar, el actor debe hacer una referencia cruzada de las circunstancias del personaje con lo que el actor ha observado en la vida, acerca de cómo esas circunstancias se manifiestan en la sociedad.

Cómo sé si la técnica Adler es adecuada para mí?

La técnica de Adler ha servido a menudo como un santuario para aquellos que se sienten descontentos con métodos más psicológicamente manipuladores. Marlon Brando fue uno de estos actores. Indignado por las enseñanzas de Strasberg, Brando atribuyó su oficio a Adler. Su técnica exige una disciplina estricta y una imaginación bien alimentada. No es para aquellos que desean atajos o soluciones fáciles, requiere visualización y observación deliberada y habitual. Sus enseñanzas son complejas, como ella cree que el arte debería ser. Debido a que sus ejercicios son complicados, ella insistía en que un actor prestara mucha atención a su salud mental. El trabajo de su técnica es mentalmente agotador; sus alumnos deben sentirse seguros de su capacidad para hacer frente, procesar y buscar apoyo para mantener la salud mental para el rigor de la actuación.

Cómo se compara la técnica de Adler con otras técnicas de actuación conocidas?

Muchas técnicas estadounidenses toman como base: El Sistema de Stanislavsky . Si bien Strasberg enfatizó el recuerdo emocional, Sanford Meisner teorizó que la veracidad se puede encontrar al profundizar en los instintos inconscientes a través de ejercicios de repetición. Uta Hagen subrayó el concepto de sustituir circunstancias, con elementos compatibles de la vida del actor, mientras que Michael Chéjov insistió en que los actores aprendan gestos que tengan un significado psicológico o universalidad. Lo que todas estas técnicas tienen en común es que enfatizan las circunstancias de una escena y exigen que los actores identifiquen y realicen acciones relacionadas con las circunstancias. Es el camino que utiliza el actor para encontrar lo que está en juego en las circunstancias o sus acciones en lo que difieren las teorías.

Dónde puedo aprender la técnica Adler?

Hay dos campus donde estudian la técnica de Stella Adler. Uno en Nueva York (que está asociado con Tisch de la NYU para un programa de concesión de BFA) y uno en Los Ángeles, el último de los cuales lleva el nombre de su libro: The Art of Acting Studio. También en el afamado estudio de actores que lleva su nombre el: Stella Adler Studio of Acting. Una buena manera de conocer las enseñanzas de Adler es leer una colección de sus conferencias editadas por Howard Kissel, en el libro: “El arte de actuar”.

Hay algún problema que deba preocuparme con el entrenamiento de la técnica Adler?

Los actores entrenados en esta técnica, se definen por su gran capacidad para ser imaginativos, mientras dejan que la disciplina impulse su trabajo. La intensidad de la imaginación solo se usa de manera práctica a través del profesionalismo y el trabajo arduo. Tené cuidado, de procurar siempre el enfoque de la imaginación con un sentido artístico. Para Adler, quien creció con una familia de profesionales del teatro, la disciplina no solo era necesaria para las funciones logísticas, sino que también definía el valor del arte que es brindado por el actor.

Esta técnica es mejor para actores de cine, televisión o teatro?

“Shadow of the thin man” 1941

Aunque la mayoría de las técnicas principales, incluida la de Adler, se desarrollaron teniendo en cuenta al actor de teatro, las técnicas internas (inspiradas en Stanislavsky) se benefician de la intimidad que da el lente de una cámara. Cuando se capta la atención del público y una cámara se acerca a las expresiones de un actor, se puede ver más nítidamente la imagen mental dentro de la imaginación del actor. Los actores entrenados con la técnica Adler, tienen fama de ser artistas disciplinados, tanto en los ensayos como en el escenario. Debido al estricto énfasis en el trabajo artístico, ver a un actor entrenado con esta técnica es como ver a un carpintero construir un mueble. Los actores tienen una idea clara de que sus herramientas, el proceso, el trabajo y humildad son elementos indispensables para la creación artística. Adler logró crear una generación de actores profesionales con sentido de la humildad en una industria que fomenta la superficilidad y la egolatría.

Cuánto tiempo lleva aprender la técnica de Adler?

La progresión de la conferencia memorizada en “El arte de actuar” se compone de 22 sesiones. El conservatorio del Stella Adler Studio of Acting dura tres años. Estos períodos de tiempo están simplemente diseñados para iniciar a un actor en una forma de observar, escuchar y trabajar durante toda la vida. En este sentido, la técnica de Adler, como la mayoría de las enseñanzas inspiradas en Stanislavsky, es una práctica de por vida que debe mantenerse con talleres, reflexión, disciplina y trabajo artístico.

Cómo puedo esperar que mi actuación evolucione?

Stella Adler dictando clases de actuación

Adler (una lectora voraz y crítica), valoró lo sagrado del texto y la historia. Notarás que tu deconstrucción de circunstancias dentro de un texto se prestará para una profunda exploración imaginativa y apreciación de la palabra escrita y el mundo que se crea. A partir de ahí, tus interpretaciones imaginativas no solo se alimentarán con libertad artística, sino que también le darán autonomía en el proceso de interpretación para darle vida a un personaje.

Qué métodos de actuación complementan la técnica Adler?

Ella insistió en que su técnica y El Sistema Stanislavsky deben considerarse una base fundamental para los actores, desde los cuales pueden operar y crecer en cualquier dirección. En este sentido, Adler argumentó que cuando un actor utiliza su oficio de manera adecuada y completa, descubrirá el estilo apropiado que exige una actuación. En este sentido, no importa en qué otras técnicas entrene un actor, la adaptación del Sistema de Adler siempre complementará lo demás. Sin embargo, en general, es vital que los actores equilibren la actuación interna americanizada con técnicas de actuación más externas, como el método de puntos de vista de Anne Bogart y Tina Landau, o la técnica de Tadashi Suzuki.

Quiénes son algunos actores que estudiaron con Stella Adler?

  • Marlon Brando 
  • Robert De Niro 
  • Phyllis Diller 
  • Rhonda Fleming 
  • Kipp Hamilton 
  • Harvey Keitel 
  • Jenny Lumet 
  • Kate Mulgrew 
  • Elaine Stritch

Aquí te dejo un excelente libro para descargar: “The art of acting” (“El arte de la interpretación”), en su versión en inglés de Stella Adler:

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Joaco Machado Foianini

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6 ERRORES MÁS COMUNES EN LA PÁGINA WEB DE UN ACTOR

La presencia en línea de un actor refleja su marca personal, por lo que se debe tener una página web optimizada, de calidad, que sea actual, cautivadora y con una interfaz amigable (fácil de navegar). Es nuestra conexión con el mundo, es una potente herramienta de marketing para el actor, de ahí la importancia de que cumpla ciertos estándares de calidad. Tomá nota por si estas cometiendo alguno de estos errores, para subsanarlos y así mejorar la calidad de tu sitio web.

Colocar fotos de modelo en lugar de fotos de actor

Muchos actores piensan que poniendo sus fotos donde salen más BONITOS, les significará un mejor impacto; nada más equivocado. Se pueden incluir fotos donde se aprecie tu belleza, pero fundamentalmente hay que mostrar fotos de tus trabajos de actor, donde se aprecien tus rasgos, expresividad y variedad de registro actoral. Pueden ser fotos de un rodaje, espectáculo teatral o también un BOOK DE ACTOR, ya existen muchos fotógrafos que realizan un BOOK FOTOGRÁFICO específicos para actores, donde el foco no esta en la belleza física sino que hay producción de maquillaje y vestuario puesto al servicio de mostrar la expresividad del artísta.

Actor Daniel Craig

No tener su información de contacto fácilmente disponible

Asegúrate de de que tu información de contacto sea fácil de encontrar. Un director de casting que examina tu página web en su teléfono inteligente, no va a perder mucho tiempo buscando cómo ponerse en contacto con vos. Si tenés un manager, colocá su correo electrónico o número de teléfono; el tener alguien que maneja tu trabajo artístico es lo ideal y da mucha relevancia. Si aún no tenés representante, asegúrate de poner tus datos correo electrónico, teléfono de contacto, todo en una sección específica de tu página web a la que se conoce como “contact page”, donde aparecen todos tus datos de contacto.

Ejemplo de página de contacto

No tener un diseño responsive

No hagas que visitar tu sitio web, sea algo desagradable. Con cada vez más personas entran al mundo digital desde sus teléfonos inteligentes, asegúrate de que tu página web es compatible con dispositivos móviles es decir que tiene un diseño RESPONSIVE, esto es crucial para obtener la mayor cantidad de tráfico hacia el mismo y por ende que te conozca más gente. Cuanto más amigable es una página web, mas probabilidades de que una persona vuelva y de que recomiende la experiencia.

Diseño responsive: utilizable en distintos dispositivos

No tener un reel/video book

Si bien las fotografías son una excelente muestra de tu trabajo artístico, tener plasmado en un video tu talento y versatilidad es aún mejor. Podés mostrar la variedad de tu registro como actor, así como también mostrar cuan bien das frente a la cámara. Para hacer un buen REEL/VIDEOBOOK, te dejo una guía al respecto: “Consejos para que tu videobook genere un impacto positivo”.

No tener un currículum descargable

Tener un currículum que sea fácil de descargar es crucial. Obligar a un manager o un director de casting a copiar y pegar, o imprimir toda tu información, es mucho trabajo y dejame decirte que esta gente cuenta con muy poco tiempo. Podés facilitarles las cosas de una manera muy sencilla: hay plataformas gratuitas donde podés alojar tu currículum (que recomiendo que lo tengas en formato pdf), simplemente dejás el link de descarga junto con tus otros datos de contacto en la sección con el mismo nombre: contacto (contact page) de tu página web.

Plataformas gratuitas para alojar archivos

No vincular a las redes sociales

Tener una página web, es parte fundamental de una estrategia de marketing digital, pero con eso sólo no alcanza cuando se trata de tener presencia en línea. Debes conectar con tus seguidores y gente de la industria a través de las REDES SOCIALES, cuál es la mejor??? Eso depende de tus objetivos, existen muchas opciones: Twitter, Instagram, Snapchat, Facebook, Tik tok, Youtube, Linkedin. Cada una está enfocada en diferente público y funciona de manera diferente, casi todas tienen como finalidad conectar con la gente y convertirlos en tus seguidores, a excepción de Linkedin que es una red que te conecta con profesionales. Lo más importante, es que las redes estén vinculadas con tu pagina web, para poder redirigir a todos tus seguidores y a algún director de casting, productor o alguien del rubro que puede terminar contratándote.

Redes sociales

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Joaco Machado Foianini

STANFORD MEISNER

TÉCNICAS DE ACTUACIÓN: SANFORD MEISNER

SANFORD MEISNER

Lo más probable es que haya escuchado la frase: “Actuar es vivir con sinceridad en circunstancias imaginarias”. Ese eslogan acuñado fue creación del legendario maestro de la actuación Sanford Meisner, cuyas técnicas han dado forma a la comprensión estadounidense de lo que se califica como buena actuación. En la década de 1920, el teatro en Estados Unidos de América cambió definitivamente cuando el Teatro de Arte de Moscú, recorrió este país e inspiró a algunos actores jóvenes y curiosos en Nueva York a adoptar el Sistema Stanislavsky para luego modificarlo con énfasis específicos. El estilo ruso de actuar magnetizó a los actores estadounidenses debido a su naturalismo, que fue diseñado a través de una técnica de actuación internalizada, muy diferente del estilo de presentación que predominaba en ese entonces. La inyección de una técnica naturalista se extendió por todo el país, porque coincidió casualmente con la evolución del cine y el auge de Hollywood; lo que exigía un estilo de actuación más matizado y natralista debido a la intimidad que da el lente de una cámara.

Sanford Meisner, hijo de inmigrantes judíos de Hungría, estaba justo allí cuando “el Sistema” desembarcó en Estados Unidos de América. Como miembro icónico de “El grupo”, un grupo de actuación estadounidense que pretendía imitar el movimiento ruso, Meisner se convirtió en un actor notable. Pero descubriría que su verdadera vocación, era ser maestro de actores.

En el Neighborhood Playhouse en la ciudad de Nueva York, Meisner desarrolló su técnica propia, fomentando un enfoque a la actuación que transmite el naturalismo mientras no intelectualiza en exceso los sucesos. Los métodos de Meisner, que todavía se usan con frecuencia en las aulas de teatro hasta el día de hoy, son distintivos porque son intencionalmente repetitivos. Mientras que muchos actores dan fe, que los ejercicios son la clave para desbloquear personajes auténticos, otros definen como insoportable cuando se refieren a los monótonos ejercicios de Meisner.

Foto-Sanford-meisner
Sanford Meisner

Quién fue Sanford Meisner?

Sanford “Sandy” Meisner es un actor estadounidense y profesor de actuación que creó la técnica Meisner.

Desde muy joven, Meisner sabía que quería ser actor. Después de estudiar piano en el conservatorio que más tarde se convirtió en la Juilliard School, se entrenó con el Theatre Guild. Allí conoció a Harold Clurman, el eventual cofundador de “El grupo” (The Group). Clurman presentó a Meisner a Lee Strasberg, cuyas interpretaciones de El Sistema Stanislavsky se manifestarían como la técnica de actuación icónica conocida como El Método . Clurman y Strasberg tuvieron una enorme influencia en Meisner, que entonces tenía veinte y tantos años, y lo metieron en el conjunto del Grupo como miembro fundador.

Fue en el conjunto del grupo que Meisner conoció a la actriz Stella Adler, que era estudiante de dos actores entrenados en El Sistema Stanislavsky del Teatro de Arte de Moscú que se habían trasplantado a Estados Unidos de América. Adler eventualmente desarrollaría una receta para la actuación, de inspiración rusa que rivalizaba con el enfoque de Mesiner.

En la vida útil limitada del Grupo, el enfoque de Strasberg fue visto como revelador y eventualmente ridículo. Strasberg hizo hincapié en el principio de Stanislavsky de la “memoria emotiva”, denominado “recuerdo emocional”. Esta obsesión no contentaba a Stella Adler, quien veía el enfoque como psicológicamente manipulador para los actores menos experimentados. Indignada y fatigada por la batalla, Adler encontró a Stanislavsky en París y expresó al creador de El Sistema, que el enfoque de Strasberg estaba equivocado.

Cuando Adler regresó, la marea se volvió contra Strasberg y los miemrbos de “El Grupo” desviaron la atención de la “memoria emotiva” para poner un nuevo énfasis en las “circunstancias dadas”, las condiciones de alto riesgo que influyen en las decisiones de un personaje. Este cambio de ideología provocó que Strasberg renunciara al Grupo para dirigir El Actors Studio. El cambio ideológico también se divorció del conjunto, con Meisner alineándose con la rebelión de Adler.

El cambio hacia un énfasis en “circunstancias dadas”, hizo espacio para que Meisner pusiera su giro único en el enfoque. Mientras Adler tomó el eje en la dirección de entrenar actores, para tener una vida imaginaria rica para animar las apuestas de las “circunstancias dadas” de una escena, Meisner sintió que un enfoque mental era demasiado interno. En cambio, insistió, un actor debe tener su creatividad provocada por la gran atención a su compañero de escena, lo que crea una tensión que el público puede observar.

En Neighborhood Playhouse, Meisner creó un sistema de rutinas diseñado para descubrir opciones de actuación auténticas a partir de impulsos orgánicos que serían provocados por el compañero de escena.

Cuáles son los elementos clave de la técnica Meisner?

La técnica Meisner tiene tres componentes principales que funcionan de la mano:

  • Preparación emocional
  • Repetición
  • Improvisación

Meisner sintió que el proceso de activación de la “memoria emotiva” en la escena eliminó al actor del momento en vivo; por lo tanto, su principio fundamental era la presencia y una observación intensa de un compañero de escena. Las elecciones, inspiraciones y provocaciones deben inspirarse en una relación con otra persona, lo que no solo profundiza la conciencia de un actor, sino que también requiere que cada actor tome decisiones definitivas que provoquen reacciones creativas. De esta manera, Meisner alentó un ecosistema simbiótico en una escena, donde cada actor debe construirse uno del otro. Esto es parte de lo que llamó “preparación emocional”.

La base de la técnica de Meisner es la repetición, que elimina la burbuja de la actuación estética y también saca a los actores de sus cabezas para que puedan confiar en sus instintos orgánicos. Meisner enseñó que estos instintos auténticos, provocados por otra persona en el momento en vivo, capturan un comportamiento humano realista. La repetición también crea un sistema de preparación, que le da al actor el coraje y la confianza para sentirse cómodo en la escena.

Meisner predicó que no se deben tomar decisiones hasta que una fuerza provoque la elección, justificándola. Si un actor solo responde a estímulos justificados y orgánicos de manera improvisada, debe estar atento, pero muy atento a esos estímulos significativos. Esto crea las “circunstancias dadas” de la escena. Una vez que un actor tiene una idea clara de las “circunstancias dadas”, inspiradas por los estímulos, puede crear una vida interior abundante para que el personaje pueda extraer, enseñó Meisner.

Meisner también enfatizó el concepto de Stanislavsky del “si mágico”. A través de su práctica de “particularización”, Meisner alentaba a los estudiantes a usar experiencias personales significativas para dar vida al texto dramático.

“Don’t be an actor. Be a human being who works off what exists under imaginary circumstances” Sanford Meisner

Cómo sé si la técnica Meisner, es adecuada para mí?

La técnica Meisner es adecuada para ti como actor si:

  • Encuentra otras técnicas frustrantes
  • Sobre intelectualizas emociones

La técnica Meisner puede ser útil para los actores que complican demasiado las emociones o las elecciones, con análisis demasiado intelectuales o preparación de la escena. Si se siente frustrado por los métodos que requieren mucha justificación mental, las técnicas de Meisner pueden ser útiles; sin embargo, no es un camino para los que se frustran fácilmente. Los ejercicios de repetición en la raíz del método de Meisner, pueden molestar, frustrar y abrumar fácilmente a los actores. Es vital que los actores sean pacientes con la técnica, ya que es solo empujando a través de las percepciones de la torpeza o la falta de sentido de los ejercicios, es que los actores se dan cuenta de los instintos matizados que transmiten la emoción de un personaje y representan reacciones universales claras a la experiencia humana.

Dónde puedo aprender la técnica Meisner?

Podés aprender la técnica Meisner en todo el mundo, ya hay academias de actuación que la brindan.

Meisner se enseña en la mayoría de los programas de entrenamiento de actuación en todo el Estados Unidos de América, porque sus ejercicios abordan el oficio del actor desde un ángulo único. En los entornos académicos en particular, los estudiantes pueden verse arrastrados rápidamente a una intelectualización excesiva de sus instintos, lo que los paraliza en el escenario. Muchos instructores utilizan la técnica de Meisner, para mitigar la actuación demasiado interna o académica. En la ciudad de Nueva York, el Neighborhood Playhouse, al que Meisner denominó como su hogar, ofrece un programa de capacitación de dos años para actores. En Los Ángeles, el Sanford Meisner Center  es un afamado centro de capacitación para actores. En Barcelona está el afamado Actors Workshop de Frank Feys, donde tuve el gusto de participar algunas clases. Meisner co-escribió un libro de texto de su técnica y progresión de entrenamiento con Dennis Longwell llamado “On Acting”, que está escrito en el mismo estilo que la mayoría de los libros de texto por maestros de actuación, como una narración reflexiva y narrativa de sus enseñanzas en el aula en una estructura de diario.

Tapa del libro “On acting”

Cuáles son las desventajas de la técnica Meisner?

El principal inconveniente de la técnica Meisner es que es mejor para las actuaciones de cine y televisión que para el teatro.

Debido a que la técnica de Meisner, enfatiza los matices y la repetición de memoria, ha sido objeto de un escrutinio persistente y escepticismo. Los críticos han señalado, que si bien esta técnica al trabajar con tanta sutileza puede ser útil para actuar en televisión o cine, en un escenario en vivo o con piezas clásicas, fomenta actuaciones planas y poco espectaculares. Cuando se enfrentó a esta crítica, Meisner argumentó que los personajes del estilo clásico que hablan de la esencia humana, son intensos; por lo tanto, le correspondía al nivel de talento del actor alcanzar esos niveles y retratar la humanidad de esos personajes tan grandilocuentes. Meisner llamó a esto el “alcance humano”, y sintió que los actores talentosos podrían usar su técnica para acceder a diferentes niveles de ese alcance.

Cuánto tiempo le toma a un actor aprender la técnica Meisner?

La mayoría de los programas de capacitación técnica de Meisner duran dos años.

Esta es siempre una pregunta difícil porque la respuesta más seria, es que no hay un marco de tiempo para aprender ninguna técnica de actuación: el oficio de un actor está en constante evolución porque la “buena actuación” es un concepto fluido que depende de las fluctuaciones de la sociedad y el comportamiento. Siempre se alienta a los actores a entrenar y refinar su “instrumento”. Dicho esto, la mayoría de las capacitaciones en la técnica Meisner duran dos años y están estrictamente segmentadas en diferentes niveles, como la mayoría de los entrenamientos conservadores.  

Cómo me ayudará y evolucionará mi actuación con la técnica Meisner?

La técnica Meisner te hará un mejor actor al obligarte a estar en el momento con tus compañeros de escena.

Notarás que tu enfoque para realizar una escena en el escenario se sentirá fundamentalmente diferente, porque estarás abordando las “circunstancias dadas” del personaje desde un ángulo diferente; dependerá de la observación y la presencia para registrar los estímulos de tus compañeros de escena y los intereses de la trama; para alentar y provocar tus elecciones en la escena, lo que te obligará a escuchar y reaccionar con claridad.

Qué métodos de actuación complementan la técnica Meisner?

Hay dos técnicas de las que los actores que estudian la técnica Meisner también pueden beneficiarse.

  • Técnica de Stella Adler
  • Método de Strasberg

Raramente los actores confían en una técnica. Por lo general, los actores profesionales usan diferentes técnicas, ya que un carpintero usaría varias herramientas en una caja de herramientas, lo que sea que haga el trabajo mejor para una tarea en particular. Para las técnicas de hermanos que enfatizan un estilo interno de actuación, la técnica de Stella Adler y el Método de Strasberg son útiles para entender porque estaban conversando con Meisner mientras construía su propio enfoque. Después de todo, muchos de los estudiantes más famosos de Meisner también estudiaron con Adler o Strasberg. Participar en más entrenamiento externo, también podría complementar la técnica de Meisner; enfoques físicos como los de Grotowski y Viewpoints crearían una yuxtaposición útil para que un actor obtenga una perspectiva del oficio y aclare los beneficios de cada método.   

Quiénes son algunos actores famosos, que estudiaron la técnica Meisner?

Caricatura realizada por Pascal Kirchmair de Sanford “Sandy” Meisner
  • Alec Baldwin
  • Jeff Bridges
  • Stephen Colbert
  • Tom Cruise
  • Alexandra Daddario
  • Tina Fey
  • James Franco
  • Jeff Goldblum
  • Grace Kelly
  • Christopher Lloyd
  • Gregory Peck
  • Michelle Pheiffer
  • Mary Steenburgen
  • Naomi Watts

Aquí te dejo un excelente libro para descargar: “Sobre la actuación” (“On acting”) de Sanford Meisner, en su versión en español y en inglés:

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Joaco Machado Foianini

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TÉCNICAS DE ACTUACIÓN: UTA HAGEN

La tradición de los maestros de actuación es casi tan icónica para la industria del espectáculo como los dramaturgos, directores y actores famosos. Nombres como Stanislavsky, Meisner, Adler y Strasberg cobran gran importancia en lo referido a técnicas de actuación en Estados Unidos de America, y Uta Hagen también es parte de este selecto grupo. 

La técnica de Uta Hagen es una de las preferidas entre los actores por dos razones: la primera es que su enfoque es muy práctico y el segundo es que ella misma fue una de los actrices de teatro más brillantes de Estados Unidos. 

Hagen tenía una forma única de tomar principios del método de Stanislavsky , que alentó a los actores a comportarse de manera realista en circunstancias imaginarias, y los convirtió en herramientas prácticas para utilizar en el escenario. Hagen ideó un sistema que no dependía necesariamente del ojo de un maestro, sino que enfatizaba los hábitos de autoevaluación y reflexión, haciendo que su técnica fuera autosuficiente de una manera práctica para los actores que trabajan en cualquier fase de su carrera. A continuación, responderemos algunas preguntas sobre esta maestra icónica y por qué sus observaciones han ayudado a los actores durante décadas.

Quién fue Uta Hagen?

Uta Hagen era una maestra de actuación y actriz de Broadway que desarrolló una técnica de actuación basada en el Sistema de Stanislavsky. 

Antes de que Uta Hagen fuera una gran maestra, era una gran actriz. A la temprana edad de 18 años, Hagen, que nació en Alemania pero se crió en Estados Unidos, hizo su debut en Broadway en “The Seagull” de Antón Chejov. Su interpretación de Nina hizo que los críticos se entusiasmaran, y quedó claro que la adolescente dejaría una huella en el teatro estadounidense. 

Empujada a las grandes escenarios de Broadway, Hagen se vio obligada a desarrollar un cierto grado de disciplina para revivir de manera efectiva los estilos naturalistas de la famosos textos de Antón Chejóv con un subtexto pesado. Esta experiencia le dio a Hagen el ímpetu y la confianza para codificar su técnica para transmitir un comportamiento naturalista en el escenario. 

Hagen desempeñó algunos de los papeles más emblemáticos durante una época dorada del mundillo teatral, incluido el papel principal en “Saint Joan”, Blanche DuBois en “Un tranvía llamado deseo”, Desdemona en “Othello” y Martha en el estreno de “¿Quién le teme a Virginia Woolf?”. Si no fuera por la injusta presecución a Hagen, por ser vinculada al COMUNISMO de mediados de siglo cuando el Macartismo irrumpuió en EE.UU., probablemente habría conquistado Hollywood. Pero debido a las listas negras creadas por los grande estudios de cine en Los Ángeles, ella echó raíces en la escena artística de Nueva York y comenzó una práctica de observación, escritura y enseñanza. 

Cuáles son los elementos clave de la técnica de Hagen?

Los elementos clave de la técnica de Hagen son la sustitución, transferencia, especificidad, autenticidad y preparación.

Hagen comunicó sus filosofías sobre la actuación a través de ejercicios que refinó como maestra en la ciudad de Nueva York; por lo tanto, sus ideas son mejor experimentadas kinestésicamente y en capas. Si bien la técnica de Hagen estaba de acuerdo con las creencias del Sistema (Stanislavsky) o el Método (Strasberg) , alentó a los actores a no sobre intelectualizar sus procesos y, en cambio, enraizarse en actividades reales y crear confianza mediante una preparación rigurosa. Mientras que algunos maestros (como Strasberg) alentaron a los actores a recrear mentalmente las condiciones de las experiencias vividas para comportarse de manera auténtica en el escenario, Hagen enseñó la técnica de sustitución. 

La sustitución es una variación del recuerdo emocional con parámetros claros. Hagen creía que había peligro en que un actor internalizara una técnica y se perdiera en un papel. A través de la sustitución, ella quería que los actores se encontraran en una parte. Ella afirmaba que si un actor intentaba recrear las condiciones, de un momento psicológico no ficticio definitivo que había experimentado para el uso de su actuación en el escenario, se distorsionaría, porque la forma en que percibimos las circunstancias en momentos de alta emoción no es necesariamente lógico. .

En cambio, los actores deberían usar una “extensión imaginativa de realidades” dentro de las circunstancias ficticias de una obra de teatro. Como principio, la sustitución se trata más de que el actor se ponga de manera convincente en las circunstancias orgánicas de la obra en lugar de replicar las condiciones de su propia vida en la obra. 

Hagen tuvo como objetivo alentar al actor a articular momentos en los que su vida y la vida de la obra creada por el escritor encajaran. El trabajo de sustitución es algo que el actor debe hacer él mismo, no es algo que un director pueda construir. Esto se suma al sentido de Hagen de la artesanía de un actor: solo un actor puede articular una sustitución adecuada, agregando un sentido de disciplina y rigor a la función de un actor. Es deber del actor, afirmaba ella, encontrar su relación con el personaje basándose en su propia experiencia y perspectiva, un proceso que ella denomina “transferencia”. Y el trabajo de sustitución es simplemente una base, para que el actor se mueva a un plano donde toma decisiones definitivas en la sala de ensayo o en el escenario, con el objetivo de darle al actor una sensación de confianza, porque este confía en las circunstancias específicas del personaje. 

Sin embargo, Hagen también tiene muy claro que un actor nunca debe sustituir las circunstancias en el escenario por las que se siente incómodo al hablar o explorar públicamente. 

Otro elemento crítico de la técnica de Hagen, que se aplicará en la sala de ensayo o en el escenario, es el establecimiento de objetivos. En su estudio, Hagen siempre molestaba a los estudiantes para que utilizaran completamente accesorios, disfraces o incluso objetos de la arquitectura del lugar para motivar la acción auténtica. Durante el trabajo de escena, los estudiantes de Hagen siempre tenían una pila de accesorios y muebles en el escenario porque era su relación con los objetos lo que se manifestaba en el comportamiento naturalista. Algunos profesores de actuación usan el término “abastecimiento” para describir esta técnica: la idea de que un actor sabe qué hacer o cómo comportarse en el escenario por cómo interactúa con objetos y herramientas que serían realistas en el entorno de la escena. 

Al centrarse en el objetivo final, los actores siempre se ven obligados a pensar en acciones y micro objetivos (“¿Qué quiero yo, el personaje, en cada momento de la obra?”). Esto se basa en el lenguaje de Stanislavsky y participa en la creencia de que la energía de un actor en el escenario, depende de que el actor tenga tareas que se relacionen con el objetivo o los obstáculos del personaje. 

Cómo sé si la técnica de Hagen es adecuada para mí?

La técnica de Hagen es adecuada para vos como actor, si te gusta el trabajo de carácter interno/externo, y querés autonomía en el proceso de capacitación.

La técnica de Hagen es una de las favoritas entre los actores, porque es un punto medio entre el trabajo interno (figurativo) y el externo (interpretativo). Al hacer que el actor considere las circunstancias de un personaje con respecto a las sustituciones, el actor está haciendo una contribución auténtica sobre el proceso artístico al integrar su experiencia de vida en su relación con el personaje. Al hacer que el actor se base en el entorno de la escena, se le asignan tareas concretas que cumplir y objetos para estar enfocado, y no adentrarse demasiado internamente o complacer a la audiencia. 

Las técnicas de Hagen son útiles para los actores, que desean ser autosuficientes o mantener la autonomía en su proceso de capacitación. Ella creía que los actores siempre tienen un sexto sentido, que registra continuamente lo que sucede en el escenario y las reacciones de la audiencia. Antes de que Hagen criticara a los actores, preguntó cómo se sentían después de sus actuaciones y si algo se sentía inusual o desagradable. Esto les dió a los actores una autonomía y una voz en la forma en que se interpretaban sus actuaciones, también reforzó las habilidades de auto observación y reflexión, que ella insistía en desarrollar, ya que eran fundamentales en el trabajo de un actor profesional. 

Dónde puedo aprender la técnica de Hagen?

La técnica de Hagen se enseña en el estudio Herbert Berghof (HB) en la ciudad de Nueva York, a través de su libro, “Respeto a la interpretación”, y a través de imágenes de video de sus clases, llamadas “Clase de actuación de Uta Hagen”. 

 

HB Studio Greenwich Village New York

La articulación de los procesos de actuación interna son todavía algo nuevos: la ola de teorías de actuación estadounidenses llegó a mediado del siglo XX. Por lo tanto, muchas de estas filosofías y ejercicios todavía no se utilizan en la mayoría de los programas de entrenamiento actuales. La propia Hagen enseñó en el estudio Herbert Berghof (HB) en la ciudad de Nueva York, y su libro, “Respeto a la actuación”, se considera imprescindible para todos los maestros y estudiantes de teatro. También hay imágenes de video de Hagen, enseñando sus clases en HB titulado “Clase de actuación de Uta Hagen”.

Cuáles son las desventajas de la técnica de Hagen?

La técnica de Hagen puede no ser útil en estilos treatrales de gran trabajo corporal o métodos físicos.

La técnica de Hagen está diseñada principalmente para ayudar a los actores a crear una construcción en torno a tomar decisiones naturalistas y auténticas en el escenario. Tomando en cuenta, el hecho de que el gran papel de ella fue como Nina en “La gaviota” (Chéjov es tan conocido por su escritura naturalista que las elecciones de actuación matizadas a menudo se clasifican como “Chejoviana”). Si bien las técnicas de Hagen lo convertirán en un mejor actor sin importar el género o el estilo en el que esté interpretando, sus ejercicios podrían no ser los más útiles en direcciones de alto concepto o métodos físicos, como la comedia del arte. Pero vale la pena enfatizar, que sus técnicas no necesariamente restarán valor al desempeño del actor en producciones de gran trabajo corporal.

Cuánto tiempo le toma a un actor aprender la técnica de Hagen?

Como todas las otras técnicas de actuación, la técnica de Hagen toma tiempo para aprender y evolucionará constantemente con el actor.

La forma en que un actor integra las lecciones de su técnica, depende de muchas variables. Aprender cualquier técnica de actuación no es algo sencillo; la actuación es un arte que evoluciona y siempre debe crecer con el artista. Dicho esto, lo que hace que la técnica de Hagen sea singular es que fomenta la auto observación y la reflexión como hábitos. Si un actor puede adoptar hábitos de observación y reflexión habitualmente, su oficio evolucionará junto a ellos.

Cómo ayudará la técnica de Hagen y evolucionará mi actuación?

La técnica de Hagen hará crecer su calidad actoral al ayudarlo a aprender a replicar momentos auténticos de la vida en su trabajo y con el análisis de guiones. 

Se encontrará trabajando para replicar momentos auténticos y naturales en su vida, y descubrirá lo difícil que es, porque el comportamiento humano es engañosamente complejo (incluso en las circunstancias más mundanas). Comenzará a prestar atención, a cómo cambia su comportamiento en función de las relaciones con las personas, los objetos o la ropa. Hagen animaba a sus alumnos a que observaran cómo su voz y vocabulario cambian cuando hablan por teléfono, según con quién hablaban y en qué entorno se encontraban. Finalmente, cuando lean un guión, buscarán momentos que se relacionen con sus circunstancias y experiencias. Usarán el texto como una oportunidad para encontrar, relaciones orgánicas con sus propias experiencias de vida. 

Qué métodos de actuación complementan la técnica de Hagen?

Las técnicas de actuación que enseñan la colaboración a través del movimiento físico y el entrenamiento, como los puntos de vista y el método de Tadashi Suzuki, complementan mejor la técnica de Hagen. 

Debido a que la técnica de Hagen es tan enfática en la creación de instintos naturalistas, quizás las técnicas más complementarias son aquellas que ejercitan músculos opuestos . El método de puntos de vista de Anne Bogart y Tina Landau identifica “Seis puntos de vista” de tiempo y espacio para capacitar a los actores para que colaboren físicamente a través de instintos de movimiento. El propio entrenamiento físico de Tadashi Suzuki, alienta la disciplina de artes marciales en el escenario, y las técnicas de Jerzy Grotowski refuerzan la improvisación altamente física y la representación gestual.  

Quiénes son algunos actores famosos que estudiaron la técnica de Uta Hagen?

Entre los actores famosos que estudiaron la técnica de Hagen están: Matthew Broderick, Faye Dunaway, Whoopi Goldberg y Gene Wilder.

  • Matthew Broderick
  • Faye Dunaway
  • Victor Garber 
  • Rita Gardner
  • Whoopi Goldberg
  • Amanda Peet
  • David Hyde Pierce 
  • Gene Wilder

Aquí te dejo un excelente libro para descargar: “Respect for acting” (“Respeto por la interpretación”), en su versión en inglés y un segundo archivo con un resumen de ejercicios de Uta Hagen:

 

 

 

  1. Apretar en DESCARGAR, que aparece más arriba. Se abrirá una nueva pestaña con una página de publicidad.
  2. Hacer click, arriba a la derecha donde dice saltar publicidad.
  3. Se abre otra pantalla azul con una abejita en el centro. Arriba a la izquierda salda un cartel que dice permitir, hacemos click.
  4. Saldrá la página de Mediafire, allí hacemos click en el botón verde que dice DOWNLOAD (DESCARGAR en inglés).
  5. Se descargará el archivo.

 

Imagén ejemplo, de la interfaz para descargar de MEDIAFIRE

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casting

LOS ERRORES MÁS COMUNES EN UN CASTING Y COMO EVITARLOS

1. Llegar tarde

No hay falta de respeto más grande para un DIRECTOR de CASTING, que una persona llegue tarde a una audición, son personas con muy poco tiempo y hay muchos esperando por una oportunidad para una película, spot o serie de televisión.

Consejo de amigo: el día anterior estar mentalizado, descansar bien y tener todo organizado para llegar en tiempo y forma al CASTING. Saber todo a detalle: ubicación con google maps, el medio de transporte y el tiempo que me lleva ir hasta el lugar, saber el texto y llevar el vestuario. Cuanto más informado y enfocado estés, mejor.

2. No saber el texto

Un error muy común. Confiarse de tu histrionismo como ACTOR y no memorizar a la perfección el texto, pensando que el DIRECTOR de CASTING no le dará importancia a este aspecto. Pues eso también lo evalúan, ya que habla de tu profesionalismo y compromiso como artista.

Tomate todo el tiempo necesario para aprender el texto, es una cuestión de práctica, si te falla el texto es que todavía no lo has memorizado, no lo “hiciste tuyo”. Es recomendable estudiar el texto haciendo cualquier acción, no lo enfoques desde un proceso cognitivo, el texto tenés que tenerlo tan incorporado en tu cerebro como tu número de documento.

3. Creer que sé, lo que le va a gustar al director

En la audición debo seguir las indicaciones que me da el DIRECTOR de CASTING, nunca presuponer que cosas debo hacer para “GUSTAR”. A veces nos aparece “el DIRECTOR que llevamos dentro”, caemos en AUTO DIRIGIRNOS y hacemos lo que nos gusta a nosostros, creyendo que eso es lo que correcto. Eso nos desconecta del ACTOR que somos, de vivir el aquí y ahora, impide que nos entreguemos por completo.

Remitirse a recibir las indicaciones y vivir el personaje. Tu cabeza debe estar enfocada en eso, el intentar suponer como vas a “GUSTAR” te quitará la CONCENTRACIÓN y el ENFOQUE. Tenés que confiar en vos, en tu talento y entrenamiento de ACTOR. Se AUTÉNTICO, HUMILDE y PROFESIONAL.

4. No creer en vos

Todos los ACTORES, vivimos muchos momentos de inseguridad, nervios, y pensamos que lo vamos a “hacer mal”, no te preocupes es algo normal. El autoflagelarte, puede hacer que pierdas la confianza en vos y que esto te signifique un BLOQUEO.

Cada audición sera menos traumática a la anterior, la experiencia te dará mas serenidad, aunque siempre existirán un poco de nervios. Los CASTINGS son pruebas que dependen de muchos factores, no solo de tu capacidad artística. Preparate bien y disfrútalo, lo demás ya no depende de vos.

5. Creerse un “estrella”

Es la ANTÍTESIS del punto anterior. Cuando vas de sobrado, cuando creés que sos una ESTRELLA, por que has obtenido muchos roles. Vas a la audición sin haber ensayado demasiado el texto, sin llegar en hora y sin prestar demasiada atención al DIRECTOR de CASTING, por que te sale todo muy facil. La SOBERBIA es mala consejera, en cuestión de tiempo vas a pasar de ser ESTRELLA, a ESTRELLARTE!!!

Cada AUDICIÓN es una oportunidad ÚNICA, para abrirte una puerta en el mundo de la actuación, aprovechala y entregate por completo. Se ha dado el caso de actores, que venían por un papel secundario, y al DIRECTOR le gusta tanto la prueba, que les termina ofreciendo un rol protagónico. El ser HUMILDE, AUTÉNTICO y PROFESIONAL, te va a permitir llegar más lejos.

6. Juzgar la importancia del casting

Ir al CASTING con poco entusiasmo, por que es para el proyecto final de una ESCUELA de CINE y no me van a pagar, o por que es un papel poco importante. Prepararse demasiado al punto de llegar al estrés, por que es para una producción de un DIRECTOR conocido, me van a pagar y dar mucha prensa.

Cada audición es importante, se merece el mismo respeto y dedicación. Obvio que hay algunos proyectos que te dan mas popularidad, presitigio o dinero que otros, pero todos son valiosos. En el proyecto gratis de la ESCUELA de CINE que participes como actor, puede estar un futuro gran DIRECTOR. Por eso es conveniente evaluar bien antes de participar de un CASTING, ¿Para qué? y ¿Por qué? lo voy a hacer; una vez decido participar, hacerlo comprometido al 100%. Y sobre el tema los roles, todos son importantes: un día te tocará de FIGURANTE otro de SECUNDARIO y otro de PROTAGONISTA, todos aportarán en tu crecimiento como ACTOR. No olvides la famosa frase: “No hay PAPELES pequeños, sólo ACTORES pequeños”.

7. Enojarse por esperar

Si vas a un CASTING, algunas veces es con un horario definido y otras veces es por orden de llegada; dependiendo de la envergadura del mismo, será mucha o poca la fila y por tanto la espera que vas a tener que hacer. Si te pone de mal humor ESPERAR, estás en la profesión equivocada.

Para ser ACTOR es indispensable aprender a desarrollar una cualidad: LA PACIENCIA!!! Hay que esperar en el CASTING, en el RODAJE de la película, el spot o serie de televisión, a pesar de que son muy organizados en la industria audiovisual, siempre surgen imprevistos. También a veces hay que esperar meses, a que te paguen los honorarios por tu trabajo de ACTOR. Siempre hay que esperar!!! Si vas a dedicarte a este arte, hacete la idea de que tenés que aprender a ser PACIENTE.

8. Evaluarse como actor después del casting

Una vez salimos de cada CASTING, nuestra cabeza no para de hacer evaluaciones y análisis, muchas veces errados: “Van varios CASTINGS que participo y aún no me elijen”, “Elijieron a ese, que es menos talentoso que yo”, “Me pongo muy nervioso, ¿Y si no sirvo para esto?”. Cada audición debe ser un APRENDIZAJE y no un MARTIRIO.

Calma, “que no cunda el pánico”!!! El desempeño en el CASTING es muy importante, pero no siempre determina el resultado final. En cuanto el actor sale de hacer la prueba, comienza un largo proceso de toma de decisiones en donde influyen varias personas y muchos factores. El que te seleccionen o no, muchas veces no tiene nada que ver con la calidad de tu audición. Hasta ganadores de premios OSCAR en HOLLYWOOD, han sido rechazados en muchas audiciones!!!

La profesión del ACTOR, requiere PACIENCIA, PERSEVERANCIA y constante ENTRENAMIENTO. No bajés los brazos, tené fe y seguí participando de CASTINGS, que ahí afuera hay un PAPEL esperando por vos!!!

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Joaco Machado Foianini

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CONSEJOS PARA QUE TU VIDEOBOOK GENERE UN IMPACTO POSITIVO

Para un director de casting, es importante tener unas fotos tuyas para ver tu físico y tu aspecto exterior, pero con un VIDEOBOOK van a poder ver de que sos capaz. Te podrán ver hablar, mover, interpretar, cantar, bailar, etc. Y en ese momento decidirán si quieren llamarte o no, por eso es tan importante contar con un buen material de presentación.

Manos a la obra

Si llegaste hasta acá, es por que quizás te estés planteando: “¿Me hago un VIDEOBOOK?” (así lo llamaré en todo este texto, aunque en algunos países de habla hispana se lo conoce como REEL). Entonces, ¡Manos a la obra! Para alguien que quiere trabajar como actor en la industria audiovisual, un VIDEOBOOK es su mejor carta de presentación. Si ya decidiste que querés hacerlo, te muestro unos consejos para que este sea efectivo y aumenten las posibilidades de que te elijan en un casting.

1. Usá tu material y si no lo tenés, crealo

Lo ideal sería que tuvieras material suficiente, ya sean escenas de la películas, spots o series de televisión en las que hayas participado como actor para poder realizar tu VIDEOBOOK; pero si aún no lo tenés, simplemente crealo. Recitá un monólogo que te guste, recreá una escena de una película, cantá una canción que te sepas, pedí ayuda a algún actor amigo y grabá algo de lo anterior. Procurá que sea en ambientes distintos, para que no sea haga monótono.

Una buena solución es grabar un diálogo donde sólo se te enfoque a vos, de tal manera que no sólo mostrarás como decís tus líneas, sino como escuchás y reaccionás a las líneas de tu compañero. Un director de casting no necesita verte en un video con una edición espectacular, necesita ver como te desenvolvés frente a cámara.

2. Cuidá que tenga buena calidad técnica

Ya podés estar haciendo la mejor interpretación del mundo, que si el audio se escucha mal o se te ve desenfocado, no sirve par nada ese material, porque estarás enseñando algo donde NO se pueda apreciar tu interpretación, y el director de casting desechará el vídeo inmediatamente.

Hoy en día, el alquiler de una cámara y un micrófono de buena calidad es bastante asequible, si no contás con recursos, siempre existe la posibilidad de pedir ayuda a algún videógrafo amigo. Dentro de tus posibilidades, procurá siempre que se VEA y se ESCUCHE lo mejor posible.

3. Utilizá material con variedad de roles y estados emocionales

Cuando hacés un VIDEOBOOK, estás haciendo una presentación de todo lo que puedes llegar a hacer y lo versátil que podes ser. Entonces procurá usar material variado, ya sean escenas cómicas o dramáticas, canto o baile que muestren diferentes estados emocionales. Procurá también, mostrarte en diferentes roles, para ver cuan variado es tu registro como actor. No utilicés varios clips del mismo proyecto, donde hagás al mismo personaje. Incluí sólo el material donde se muestra lo mejor de tu calidad interpretativa, donde deslumbrés.

4. Poné tu mejor material al principio del video

Un director de casting está constantemente revisando material para encontrar el perfil que necesita para su proyecto, de modo que seguramente sólo vea los primeros minutos de tu videobook, por esa razón, tenés que atraparlo en esos primeros minutos. Andá al grano, no pongás una introducción con un videoclip, empezá directamente con el material del que te sientas más satisfecho, en el que ofrezcas tu mejor interpretación, para que sea con eso con lo que se queden y les invite a ver el resto de tu VIDEOBOOK.

5. Musicalizá sólo si es necesario

Hay mucho debate sobre si un VIDEOBOOK debe o no llevar música de fondo. Por un lado, la música puede dificultar que el director de casting escuche bien tu dicción, tus matices a la hora de interpretar; y por otro, querés hacer que se conmuevan con tu interpretación y la música puede venir bien. De modo que, úsala sólo cuando sea estrictamente necesario y en clips puntuales. Por supuesto que, si en tu material incluís canciones o coreografías, la música es imprescindible. Tan sólo recordá el consejo anterior, “que tenga buena calidad técnica”, porque no hay nada peor que escuchar música con distorsiones o baja calidad.

6. Destacá tus fortalezas

Puede que tengas un perfil o estilo determinado, cómico, dramático, alguna habilidad especial: cantar, actuar en otro idioma que no sea tu lengua materna, acrobacias, tocar un instrumento, etc. Así que procurá incluir material que muestre, tu registro como actor y las habilidades (antes mencionadas) que te hacen sobresalir de los demás actores.

7. Cuidado con la duración del videobook

Puedes ser que tengas un montón de grabaciones que te encantan y te gustaría enseñarlas todas, pero los directores de casting la mayoría de las veces sólo van a ver los primeros minutos, así que lo recomendable es que el total del vídeo no pase de los 2 o 3 minutos. Además cada clip que incluyas, no debe pasar de los 20 o 30 segundos.

8. Incluí tu información de contacto

Aseguraté que tu información de contacto, o la de tu manager, esté incluída al final del vídeo. Los datos de contacto a día de hoy, no solo se resúmen a el número de teléfono y el correo electrónico, también consideran relevante tus redes sociales y si ya figurás en la guía internacional de actores de cine IMDb: https://www.imdb.com/.

Datos que no deben faltar:

9. ¿Dónde debés publicar tu videobook?

La respuesta es: en todas partes!!! Lo que vos querés es darte a conocer, así que después de que lo hayas subido a Youtube o Vimeo, compartilo en tus redes sociales, ponelo en tu página web, dale toda la difusión que puedas. Añadilo a la información de tu perfil en las redes sociales y cuando actualicés tu VIDEOBOOK, repetí el proceso de nuevo.

10. Confiá en los directores de casting

El trabajo de los directores de casting es encontrar el perfil adecuado para su proyecto audiovisual, de modo que están deseando encontrarlo. Ponéselo fácil, para tener mas chances de ser elegido y creá un VIDEOBOOK que realmente muestre todo tu potencial artístico.

Finalmente, deseo que te surgan muchos proyectos profesionales!!! No te desanimes si en algún casting no te eligen, acordate que en el mundo de la actuación hay otros factores que influyen para que te otorguen un rol, no sólo depende del talento y la preparación que tengas. Seguí trabajando para ser mejor actor cada día y tené paciencia, hasta los grandes multipremiados actores de HOLYWOOD han sido rechazados en muchas audiciones.

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CONSEJOS PARA QUE TU VIDEOBOOK GENERE UN IMPACTO POSITIVO

Para un director de casting, es importante tener unas fotos tuyas para ver tu físico y tu aspecto exterior, pero con un VIDEOBOOK van a poder ver de que sos capaz. Te podrán ver hablar, mover, interpretar, cantar, bailar, etc. Y en ese momento decidirán si quieren llamarte o no, por eso es tan importante contar con un buen material de presentación.

Manos a la obra

Si llegaste hasta acá, es por que quizás te estés planteando: “¿Me hago un VIDEOBOOK?” (así lo llamaré en todo este texto, aunque en algunos países de habla hispana se lo conoce como REEL). Entonces, ¡Manos a la obra! Para alguien que quiere trabajar como actor en la industria audiovisual, un VIDEOBOOK es su mejor carta de presentación. Si ya decidiste que querés hacerlo, te muestro unos consejos para que este sea efectivo y aumenten las posibilidades de que te elijan en un casting.

1. Usá tu material y si no lo tenés, crealo

Lo ideal sería que tuvieras material suficiente, ya sean escenas de la películas, spots o series de televisión en las que hayas participado como actor para poder realizar tu VIDEOBOOK; pero si aún no lo tenés, simplemente crealo. Recitá un monólogo que te guste, recreá una escena de una película, cantá una canción que te sepas, pedí ayuda a algún actor amigo y grabá algo de lo anterior. Procurá que sea en ambientes distintos, para que no sea haga monótono.

Una buena solución es grabar un diálogo donde sólo se te enfoque a vos, de tal manera que no sólo mostrarás como decís tus líneas, sino como escuchás y reaccionás a las líneas de tu compañero. Un director de casting no necesita verte en un video con una edición espectacular, necesita ver como te desenvolvés frente a cámara.

2. Cuidá que tenga buena calidad técnica

Ya podés estar haciendo la mejor interpretación del mundo, que si el audio se escucha mal o se te ve desenfocado, no sirve par nada ese material, porque estarás enseñando algo donde NO se pueda apreciar tu interpretación, y el director de casting desechará el vídeo inmediatamente.

Hoy en día, el alquiler de una cámara y un micrófono de buena calidad es bastante asequible, si no contás con recursos, siempre existe la posibilidad de pedir ayuda a algún videógrafo amigo. Dentro de tus posibilidades, procurá siempre que se VEA y se ESCUCHE lo mejor posible.

3. Utilizá material con variedad de roles y estados emocionales

Cuando hacés un VIDEOBOOK, estás haciendo una presentación de todo lo que puedes llegar a hacer y lo versátil que podes ser. Entonces procurá usar material variado, ya sean escenas cómicas o dramáticas, canto o baile que muestren diferentes estados emocionales. Procurá también, mostrarte en diferentes roles, para ver cuan variado es tu registro como actor. No utilicés varios clips del mismo proyecto, donde hagás al mismo personaje. Incluí sólo el material donde se muestra lo mejor de tu calidad interpretativa, donde deslumbrés.

4. Poné tu mejor material al principio del video

Un director de casting está constantemente revisando material para encontrar el perfil que necesita para su proyecto, de modo que seguramente sólo vea los primeros minutos de tu videobook, por esa razón, tenés que atraparlo en esos primeros minutos. Andá al grano, no pongás una introducción con un videoclip, empezá directamente con el material del que te sientas más satisfecho, en el que ofrezcas tu mejor interpretación, para que sea con eso con lo que se queden y les invite a ver el resto de tu VIDEOBOOK.

5. Musicalizá sólo si es necesario

Hay mucho debate sobre si un VIDEOBOOK debe o no llevar música de fondo. Por un lado, la música puede dificultar que el director de casting escuche bien tu dicción, tus matices a la hora de interpretar; y por otro, querés hacer que se conmuevan con tu interpretación y la música puede venir bien. De modo que, úsala sólo cuando sea estrictamente necesario y en clips puntuales. Por supuesto que, si en tu material incluís canciones o coreografías, la música es imprescindible. Tan sólo recordá el consejo anterior, “que tenga buena calidad técnica”, porque no hay nada peor que escuchar música con distorsiones o baja calidad.

6. Destacá tus fortalezas

Puede que tengas un perfil o estilo determinado, cómico, dramático, alguna habilidad especial: cantar, actuar en otro idioma que no sea tu lengua materna, acrobacias, tocar un instrumento, etc. Así que procurá incluir material que muestre, tu registro como actor y las habilidades (antes mencionadas) que te hacen sobresalir de los demás actores.

7. Cuidado con la duración del videobook

Puedes ser que tengas un montón de grabaciones que te encantan y te gustaría enseñarlas todas, pero los directores de casting la mayoría de las veces sólo van a ver los primeros minutos, así que lo recomendable es que el total del vídeo no pase de los 2 o 3 minutos. Además cada clip que incluyas, no debe pasar de los 20 o 30 segundos.

8. Incluí tu información de contacto

Aseguraté que tu información de contacto, o la de tu manager, esté incluída al final del vídeo. Los datos de contacto a día de hoy, no solo se resúmen a el número de teléfono y el correo electrónico, también consideran relevante tus redes sociales y si ya figurás en la guía internacional de actores de cine IMDb: https://www.imdb.com/.

Datos que no deben faltar:

9. ¿Dónde debés publicar tu videobook?

La respuesta es: en todas partes!!! Lo que vos querés es darte a conocer, así que después de que lo hayas subido a Youtube o Vimeo, compartilo en tus redes sociales, ponelo en tu página web, dale toda la difusión que puedas. Añadilo a la información de tu perfil en las redes sociales y cuando actualicés tu VIDEOBOOK, repetí el proceso de nuevo.

10. Confiá en los directores de casting

El trabajo de los directores de casting es encontrar el perfil adecuado para su proyecto audiovisual, de modo que están deseando encontrarlo. Ponéselo fácil, para tener mas chances de ser elegido y creá un VIDEOBOOK que realmente muestre todo tu potencial artístico.

Finalmente, deseo que te surgan muchos proyectos profesionales!!!

No te desanimés si en algún casting no te eligen, acordate que en el mundo de la actuación hay otros factores que influyen para que te otorguen un rol, no sólo depende del talento y la preparación que tengas. Seguí trabajando para ser mejor actor cada día y tené paciencia, hasta los grandes multipremiados actores de HOLYWOOD han sido rechazados en muchas audiciones.

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LA IMPORTANCIA DE LA PÁGINA WEB PARA EL ACTOR

El marketing del actor

Hay personas que desde muy jóvenes, descubren que lo que más aman en la vida es ponerse en la piel de otras personas, dar vida a los personajes que los grandes escritores de literatura de todos los tiempos crearon para expresar emociones, contar historias y en definitiva, hacer soñar a los espectadores.

Se puede nacer con poco o mucho talento para ser actor, de todas maneras, si ese talento no lo acompañás con una formación constante, entrenamiento y disciplina no avanzarás en tu carrera artística. Las escuelas de Arte Dramático, enseñan las técnicas de actuación a las futuros artistas del cine, teatro y televisión. Pero no les enseñan un punto importantísimo para una carrera artística: EL MARKETING, fundamental para la proyección de un artista, que además de trascender en su país puede hacerlo a escala mundial. Hoy en día, gracias a la GLOBALIZACIÓN, un actor que vive por ejemplo en un país latinoamericano puede terminar formando parte de el elenco de una película en un país europeo, o en Estados Unidos de América que tiene la industria más poderosa de cine del planeta. Por esta razón, tienen que aprender a promocionarse de la manera más inteligente y eficaz posible.

Mejor con una página web

Para eso están las páginas web personales. Existe la tentación, entre muchos estudiantes de arte dramático deseosos de darse a conocer lo más rápido posible, de pedir a un amigo “buena onda” con conocimientos, que diseñe una “página web sencillita” para poder ir subiendo fotografías, el currículum, el reel (videobook) mientras avanzan en los estudios y empiezan a realizar sus primeros roles.

Esto no es para nada CONVENIENTE, ya que si querés dar una imagen de seriedad y profesionalismo, hay que crear una página web profesional desde el inicio. Al tener una página web propia, bien cuidada y diseñada puede llamar la atención de los directores de casting de tu país y no si no hay muchos castings donde vivís, de los países con FUERTE INDUSTRIA AUDIOVISUAL. Cada cosa que hacemos para difundir nuestro trabajo artístico, es parte de nuestro marketing, y habla de la calidad de nuestro trabajo: una página mediocre hará que mucha gente piense que nuestro desempeño artístico también es mediocre.

Si se deciden a contratar a un experto diseñador web, sería bueno que procuraran que este conociera el universo artístico y las necesidades que demandan los actores. Porque eso es lo que marcará la diferencia, en cuanto a diseño y funcionalidad. Vale la pena pensar la página web como núcleo de una estrategia de marketing mucho más amplia, que incluya tu posicionamiento en buscadores (SEO y SEM), redes sociales y no como una simple vidriera. El actor, debe trabajar junto a el diseñador de la página web. El trabajo resultante tiene que ser técnicamente lo más perfecto posible, pero también reflejar al máximo la personalidad del artista.

Para empezar, es imprescindible el hosting y nombre de dominio sean propios. En Internet no se puede estar, por el mero hecho de que “hay que estar”. Hay que tener una presencia que sea reconocida por los demás, que te diferencie del resto de artistas y eso comienza por el nombre del dominio. El dominio tipo “www.tunombreartístico.com” tiene muchas ventajas: es fácil de recordar, además, se puede (y se debe) colocar en las tarjetas de visita y como firma de correo electrónico. Además, siempre que se renueva, le pertenece a uno para siempre, por lo que se evitarán posibles confusiones con otros artistas.

Además, con un dominio propio se tiene un correo electrónico propio personalizado del tipo “[email protected]”, lo cual da una imagen de carácter y profesionalismo. Conviene que la extensión sea “.com”, ya que los buscadores la posicionarán a nivel internacional. Si se quiere aparecer en el directorio de IMDb es imprescindible. Otra ventaja más: con un dominio propio siempre se podrá cambiar y rediseñar la web, según vaya cambiando la trayectoria de la actriz o del actor. Un dominio propio tiene que estar alojado en un servidor seguro y que no vaya a crear problemas de caídas o, lo que sería catastrófico, pérdida de la información. Se recomienda la lectura de este artículo antes de decidir sobre esta materia básica: Tipos de Hosting o Alojamiento Web.

Una vez comprado el nombre del dominio y establecido el servidor que va a alojar la página web, el siguiente paso es diseñarla. Es posible adquirir una plantilla como las que ofrecen en esta páginas: “10 Fascinantes Plantillas para Actores y Artistas”, “Los mejores temas de wordpress para artistas” son muy variadas, versátiles y lo mejor es que podes crearla a tu manera de modo que exprese tu personalidad, sentido estético y objetivos profesionales. Una vez más, los servicios de un diseñador web experto son imprescindibles.

La importancia del diseño

El diseño de una página web sea cual sea el elegido, ha de ser responsive, esto es un diseño que haga posible que la página web sea vista sin la menor dificultad en toda clase de dispositivos. No solo en la computadora de escritorio o laptop, sino también en tablets y por supuesto el dispositivo más usado por la gente: el smartphone. No se sabe en qué momento va a surgir la posibilidad de presentar la web ante un director de casting, así que es mejor tener una web que pueda ser consultada con facilidad.

El diseño responsive, además, facilita que la web sea indexada correctamente en los buscadores. De hecho, Google penaliza las webs que no lo son. Por lo tanto, ante la estrategia de posicionamiento y marketing de la web del actor no se puede pasar por alto este importante detalle. Establecidas todas las bases de una buena página web, (dominio propiohosting de calidad y diseño responsive), es posible comenzar a diseñarla a gusto de su dueño.

En este punto, el diseñador web puede ser muy creativo, tratar de crear una web lo más atractiva visualmente posible y eso es bueno, ya que se trata de crear una impresión lo más favorable posible para los intereses del artista, pero en ningún caso se ha de sacrificar el diseño a la facilidad de uso, pues podría llegar a ser contraproducente. Hay que ser cuidadoso en ese sentido, procurar que el diseño y la comodidad de uso vayan de la mano.

Es en este momento, cuando entra en juego el concepto de usabilidad web. Hay un manuales que explican el concepto paso a paso, pero hay que destacar dos aspectos: qué se quiere expresar en la web (en el fondo, qué se quiere “vender” en ella) y a qué público se quiere llegar (a quién se le quiere “vender”). Teniendo en cuenta todos estos elementos, es viable comenzar a definir todos los elementos necesarios para una web que cumpla los objetivos marcados:

  • Dar la máxima visibilidad al currículum.
  • Facilidad de posicionamiento en buscadores para realizar una mejor estrategia de marketing.
  • Expresión de la personalidad del intérprete.

Según el gestor de contenidos (Content Managment System) utilizado (los más conocidos son WordPress, joomla y Drupal), el tipo de plantilla que podrás elegir. Las hay gratuitas, pero tienen el inconveniente de que cuentan con una limitación en cuanto a la posibilidad de personalización al máximo. Es preciso pensar en términos de inversión y adquirir una plantilla propia, que te guste y tenga las funciones necesarias. Lo que es propio siempre se puede cambiar, mejorar y adaptar a las modas o los cambios profesionales que puedan producirse. De hecho, la página web de una actriz, un actor o, incluso, de los simples estudiantes de arte dramático es conveniente que sea modificada con cierta frecuencia para que el visitante note el dinamismo en la carrera del intérprete. Nada hay más triste que una página web muy bien diseñada, pero que no ha cambiado en años.

Qué tipo de web conviene?

Las páginas web pueden ser estáticas o dinámicas. Las primeras son muy simples y muestran algunas fotografías, enlaces web y las pestañas básicas: información, currículum y contacto. Tienen la ventaja de que son muy asequibles económicamente, si se elige una plantilla funcional y elegante puede servir a la perfección para su cometido. No permiten efectos deslumbrantes al estar creadas en código HTML, pero sí que pueden proporcionar una información básica que quizá sea suficiente para los estudiantes de Arte Dramático que están comenzando su carrera y no pueden permitirse muchos más gastos.

Por su parte, las páginas web dinámicas están desarrolladas en código PHP, así que permiten muchas más funcionalidades, como la posibilidad de instalar un libro de visitas en el que las personas que hayan entrado en la página puedan dejarte un mensaje. Las páginas web dinámicas son más complejas de crear, pero una vez configuradas al gusto, son más fáciles de actualizar y mantener. En una página web dinámica los contenidos pueden presentarse de una manera mucho más atractiva en diferentes formatos: slider con las mejores fotografías como página inicial, vídeos, enlaces a otras páginas. Yo recomiendo usar WORDPRESS, que es el CMS que usa casi el 60% de internet incluyendo mi persona, es GRATUITO, muy versátil y tiene posibilidades de mejorar constantemente a través de pagar diferentes planes para acceder a más prestaciones: PLUGINS, TEMAS PREMIUM, HERRAMIENTAS SEO, WORDADS, PAGO ELECTRÓNICO, etc.

Tan importante como el diseño, la usabilidad de la página web es su color y la tipografía que se va a emplear para mostrar los contenidos escritos. La mayoría de páginas web para actores toma el negro como color de base y el blanco como color de la tipografía. Es una combinación elegante, eficaz y que se asocia al lujo y a la sofisticación, pero también es una de las más usadas. También se puede apostar por darle algo de color, pero sin duda acá entran en juego los gustos personales. Ya lo dice el dicho “sobre gustos, no hay nada escrito”, pero sí hay unas pequeñas normas :

  • Evitar colores que se lean con dificultad (por ejemplo, violeta sobre fondo negro).
  • Nunca jamás hay que utilizar el arco iris para escribir. Nada de textos multicolor.
  • Buscar el contraste, pero también la armonía (por ejemplo, el amarillo sobre el blanco no se lee bien).

El color es un tema que requiere reflexión, ya que en el fondo el actor a través de su página web, está creando una marca personal que influirá de una manera positiva o no, en las personas que la visiten. Hay que pensar detenidamente si se desea quedar asociado a un determinado color, con las connotaciones que ello implica. En esta página hay un estudio al respecto: La Psicología del color en el diseño web.

Respecto a la tipografía, un tema también bastante delicado, es posible elegir entre las creadas por Google (Open Sans) y Apple (Myriad Pro) o apostar sobre seguro por fuentes de contrastada legibilidad, como Helvética (un clásico), Roboto (creada ex professo para Internet) o la muy elegante Verdana. Lo importante es que sea legible con facilidad en todos los dispositivos, tanto fijos como móviles y tenga un tamaño adecuado para ese fin.

Aquí se vuelve a resaltar la importancia de un diseñador web experto, que conozca bien todos los pormenores de la creación de páginas web. Como se está comprobando, no es un trabajo sencillo que cualquiera pueda realizar (hacen falta mucho tiempo y conocimientos). Por eso, la relación con un buen profesional es imprescindible, si se quiere que la web vaya en serio desde el principio.

El contenido ideal

Por fin, llega el momento de llenar de contenido la página web. Hay varios sectores que tienen que estar presentes de manera estructurada y fácil de localizar:

  • Sobre mí: una descripción personal, qué se ofrece, cuál es tu especialidad y si tenés habilidades especiales (acrobacia, canto, idiomas).
  • Currículum: todos aquellos papeles interpretados hasta la fecha. Se puede cambiar el nombre por “trabajos realizados” en un archivo pdf cuyo link de descarga va en la página de contacto (contact page). Colocar una incrustación de youtube o vimeo en la página, donde se pueda ver tu VIDEOBOOK (ver: CONSEJOS PARA QUE TU VIDEOBOOK GENERE UN IMPACTO POSITIVO).
  • Fotografías: un book hecho en estudio pero para actor (no book de modelo), actuaciones en teatro, cine y tv, caracterizaciones hechas.
  • Integración en redes sociales: imprescindibles en cualquier estrategia de marketing para actrices y actores (Facebook y sobre todo Instagram). Por supuesto, hay que mantener las redes actualizadas.
  • Área de contacto: cómo contactar, para poder responder con rapidez (correo electrónico, teléfono móvil…).
  • Link a IMDb: si ya se has realizado un trabajo profesional en cine, es importante que pongas el link de tu aparición como actor en esta guía, que es la más importante del mundo audiovisual. IMDb.

Para redondear la web y si hay material para ello, se podrían incluir vídeos de los trabajos hechos, referencias (o críticas positivas de uno o varios trabajos) y ya para tener una web con un nivel superlativo, se puede incluir un blog en el que por ejemplo: el artista va contando su día a día de los ensayos de una obra, el proceso de un rodaje, o también se pueden dar consejos, tips, técnicas o cualquier contenido de valor sobre su rubro. Un blog, posiciona muy bien una página web.

Finalmente nos queda posicionar la web lo mejor posible, utilizando marketing de contenidos y técnicas de SEO o SEM.

Actuales y futuros actores del mundo; espero que esta información les sea útil en el crecimiento de sus carreras profesionales.

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Un caluroso abrazo y hasta la próxima!!!

Joaco Machado Foianini

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Quiero dedicar este espacio para compartir información valiosa con vos, que como yo, te dedicás al mundo del espectáculo. Brindarte herramientas para mejorar tu desempeño como actor, presentador de televisión y algunos consejos sobre desarrollo personal que me han ayudado mucho en mi carrera y en mi vida. Valiosa información que me hubiera gustado recibir en su momento, esperando que te pueda ayudar en algo para avanzar en un mundo tan competitivo y que evoluciona tan rápido como es el del “SHOW BUSINESS”.

“To help, to continually help and share, that is the sum of all knowledge; that is the meaning of art.”

“Ayudar, ayudar continuamente y compartir, esa es la sumatoria de todo conocimiento; ese es el significado del arte.” 

ELEONORA DUSE

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